sábado, diciembre 15, 2007

Oscar Niemeyer: Cien Años de Creatividad

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Hace 96 años cuando el pequeño Oscar Niemeyer era encontrado por su madre en el porche de la casa, éste movía su dedo en aire, haciendo figuras difíciles de seguir con la mirada. Intrigada, su madre le preguntó al hijo sobre lo que hacía. El pequeño respondio sencillamente "disenhando". Así es como empieza la leyenda de este impresionante de la arquitectura, o al menos así lo narraba él en una entrevista. Es admirable la energía que aún impulsa a este centenario arquitecto, quien no ha permitido que su vejez le impida continuar trazando y proyectando con la misma pasión que le empujaba a garabatear el cielo cuando era niño.

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En mi humilde opinión, la arquitectura sudamericana sólo ha dado dos "monstruos" geniales de la arquitectura: Luis Barragán y Oscar NIemeyer. Del primero se debe valorar sus capacidad de reflexión ante la arquitectura y por la arquitectura. Su obra se vincula con la realidad interna del usuario. Invita siempre a la introspección del pensamiento. Niemeyer -por su lado- es mucho más externo, monumental; confronta el entorno y lo somete seduciéndolo. Es un trabajo que le dio a Sudamérica una primera identidad física, algo que el continente había perdido desde la conquista española, y que no había podido alcanzar satisfactoriamente durante los inicios de su etapa republicana.

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El Edificio COPAN, en Sao Paolo. Un cruce

entre una "Unité" corbusiana y una anaconda

brasileña.

Un hombre hecho de acuerdo a su época y circunstancia. Pendenciero como buen Carioca. Terminó la secundaria a los 21 años. Entró de inmediato a la universidad y se graduó de arquitecto en 1934. Para entonces, el modernismo corbusiano ya se esparcía desde Europa hacia el resto del mundo. Su natal Brasil no sería la excepción. El famoso arquitecto suizo llegó a la entonces capital brasileña, Río do Janeiro, para trabajar en el diseño de lo que sería la sede del Ministerio de Salud y Educación. De tal encuentro saldrían muchos encuentros más. Siendo tan distintos ellos -Le Corbusier, el maquinista abanderado de la línea recta; y Niemeyer, predicador de la línea curva como símbolo de la belleza de la naturaleza- lograron trabajos interesantes. La sede de las Naciones Unidas en Nueva York es quizás el mejor ejemplo de ello.

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Definitivamente, Niemeyer y Le Corbusier se nutrieron mucho mutuamente. Niemeyer comprendió las intenciones del modernismo de Le Corbusier; así como sus herramientas y su potencial. Corbú se volvió más humano y menos maquinista al lidiar con Niemeyer. Dejó a un lado fu afán funcionalista y le dio más rienda suelta a su lado plástico de escultor. un ejemplo de esta fusión de criterios se puede apreciar en el edificio COPAN que desarrollara Niemeyer en Sao Paulo. Su concepción parte de las ideas que Corbú plasmara en sus "Unité d' Habitation". Sin embargo, el brasileño rompe con la noción recta de "banda industrial" que tienen las obras corbusianas, y plasma en la planta una disposición curva. Ello convierte al edificio en una enorme anaconda de hormigón. Y es que la línea curva fue siempre la herramienta fundamental para proyectar su arquitectura, tal como lo dijera él mismo durante una entrevista :

"Lo que me atrae es la curva, libre y sensual. La curva que encuentro en las montañas de mi país, en el curso sinuoso de sus ríos, en las nubes del cielo, en el cuerpo de la mujer amada. De curvas está hecho todo el Universo''.

Dicha cita ha estado publicada en este blog desde sus inicios, y seguirá como parte fija del mismo; en honor a la verdad y al equilibrio que representan entre humanidad y belleza.

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Sin embargo, Oscar Niemeyer no habría podido ni soñar con tal encuentro de no haber sido por contar con el arquitecto Lucio Costa como mentor y "Liebermeister". Recién salido de la universidad, el joven Oscar entra en su estudio de forma gratuita, a fin de poder adquirir las herramientas suficientes y poder plasmar su visión de una nueva arquitectura para su país y el mundo. Es el vínculo con Lucio Costa, junto con el de su mecenas de Behlo Horizonte, Justelino Kubichek, el que le permite participar de el proyecto urbano más ambicioso que haya visto el mundo durante el pasado siglo: Brasilia. Una ciudad surgida de la nada absoluta, en medio del frondoso corazón del Brasil, nacida del cruce de dos figuras: la cruz, que representa la toma de posesión de un terreno; y un ave, símbolo de la paz y de buenos augurios para el futuro.

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Brasilia resultó ser una obra titánica en su momento. Mientras los trazos urbanos eran dados por Costa, Niemeyer daba las pautas proyectuales para los edificios públicos. De ellos se puede resaltar la belleza plástica y la gracia de el Congreso del Brasil y la Catedral capitalina; en mi opinión, la iglesia más bella que se ha construido en el siglo XX

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Interior de la Catedral de Brasilia.

Uno de los mejores espectáculos de

la arquitectura del siglo XX.

Por fuera, el mencionado templo es una simple estructura, hecha con elementos prefabricados dispuestos alrededor de un eje, emulando la figura de la corona de espinas que portara el Cristo en su vía Crucis. Por dentro, su belleza y simbología es mágica. Lo módulos prefabricados dejan de ser una corona de espinas enorme, para transformarse en un enorme "agujero en el cielo" del cual descienden los ángeles para llamar al juicio de justos y culpables. entre los prefabicados, una serie de vitrales resaltan la figura celestial y sirven de escenario para el apocalíptico paisaje. Resulta insólito encontrar tanta sensibilidad ante lo religioso, como en este extraordinario ateo, que cuenta con la una virtud digna de imitar por todo arquitecto: captar la sensibilidad que cada uno de sus proyectos requiere.

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Sede del Parlamento brasileño

en Brasilia.

Niemeyer se transforma en un representante de Sudamérica en Europa, durante su desdichada época de exiliado político. Logró cosas asombrosas. Resalto de ellas el Campus Universitario de Argel, una enorme ave de hormigón, que extiende sus enormes alas sobre el suelo y cobija a los universitarios con su sombra. Otra obra niemeyerzca que merece ser resaltada el la sede que proyectara para el Partido Comunista en París. Niemeyer, miembro activo del Partido Comunista, tuvo la oportunidad de romper con un esquema cuadrado y caduco que hasta entonces sostenían sus colegas y coidearios, según el cual todo detalle que implique belleza debe ser considerado un lujo, y por ello, debe ser eliminado del proyecto. Este edificio tiene un rostro austero desde su exterior: una fachada de vidrio y una cúpula de hormigón brotando desde el césped frontal. Pero, en su interior, la luz juega un papel preciocista, y se convierte en el más bello de los ornamentos. Me sorprende que en las pasadas décadas no se haya usado el interior del auditorio para la filmación de una película futurista o algo semejante.

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Auditorio del Partido Comunista

en París, Francia. Digno escenario

de alguna película futurista.

Ya para sus últimas obras, el Maestro se ha podido dar el lujo de explorar aún más en los trabajos que se le han encomendado. En su mayoría, estos trabajos consisten en museos o monumentos. En sus trazos, todos estos encargos se convierte automáticamente en hitos. No dejan de impactarme las fotos del Museo de Arte Contemporáneo de Niteroi. Una enorme copa puesta sobre un peñón, junto al mar. Las sinuosas rampas permiten contemplar la belleza del lugar, combinada con la escultural figura del museo; austero en detalles, preciso en su figura.

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Museo de Arte Contemporáneo.

Niteroi, Brasil.

Su último proyecto fue presentado el año pasado. Es un encargo hecho por el polémico gobernante de Venezuela, Hugo Chávez. Un obelisco inclinado de 100 metros de longitud, de su base hasta su punta, como monumento a la memoria del Libertador Simón Bolívar. En este caso, si bien es un proyecto de trazo austero, en su simbología se siente que el Arquitecto ha sido más libre para sus significados e intenciones políticas, compartidas completamente por su cliente en este caso. El mencionado obelisco apunta hacia los Estados Unidos, como una lanza de un soldado, a la expectativa de cualquier ataque furtivo del "enemigo".

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Proyecto Monumento a Bolívar.

Caracas, 2007.

En definitiva, este día debe ser de celebración en nuestro continente. Un genio admirable ha cumplido 100 años con nosotros, y eso no pasa muy a menudo. Que el continente celebre hoy y siempre la obra de Oscar Niemeyer; este viejito encorvado y calvo que siempre ha tenido pavor a la idea de treparse a un avión, y cuya mano no ha dejado aún de maravillar al planeta con sus ideas. Decir "Niemeyer" es decir "Brasil", tanto o más que decir "Pelé", "Samba" o "Maracaná". Este arquitecto logró integrarse a la cultura nacional y ser asimilado por su pueblo.

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Foto del Monumento a Juscelino Kubitschek,

diseñado por el mismo O. NIemeyer. Esta foto

fue tomada luego que se confirmara a Brasil

como sede del Mundial de Fútbol del 2014.

A todos los estudiantes de arquitectura les recomiendo su biografía, "Curves of Time". Ahí podrán ver cómo la sencillez de este personaje no se ha visto afectada por la grandeza de sus obras. Niemeyer es un buen ejemplo de cómo la humildad sincera y la sensibilidad genuina pueden crear edificios y ciudades de singular belleza.

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¡Feliz Cumpleaños, Maestro! A tu salud y a la del legado con el que nos deleitas.

Luego de Dos Años de Trabajo: ¡¡LO HICIMOS!!

El tiempo ha pasado, no sin ser sentido. Pero en esta ocasión, las prisas, los afanes, las angustias, los problemas y las soluciones no me han permitido estar consciente de la transformación en la que he estado participando desde hace ya más de dos años. El día de ayer se abrió de manera completa el Terminal Terrestre de Guayaquil, y me impresiona ver el contraste entre esta foto que tomé a fines del año pasado y la que tomé apenas esta semana.

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Foto a fines del 2006.

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Foto de esta semana.

Ambas fotos fueron tomadas en el mismo lugar. Confieso que el contraste me impacta. Comparto con ustedes la maravillosa conmoción que sentimos los involucrados en el mundo de la construcción y la arquitectura, cuando vemos un proyecto incubándose en los planos arquitectónicos y terminamos rememorando esos días con nostalgía, al percatarnos que la obra ya está hecha, que tiene vida propia, que ella seguirá su curso de ahora en adelante, por sí sola.

Curiosamente, el Terminal Terrestre no es el único que se ha visto transformado. El bohemio inquieto que empezó la residencia arquitectónica del proyecto no es el mismo. Ahora es hombre de familia, con esposa e hijo. Tiene menos pelo que antes, y el stress se ha comido un poco esas libritas de más. El tiempo no pasa vano, y no sólo pasa para el hormigón en fragua.

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A todos los amigos que he podido hacer en esta experiencia, ¡gracias! Por el apoyo, por la paciencia, por lo enseñado, por lo compartido, por todo.

con los pupilos

Este proyecto pronto dejará de estar en mis manos. Dios mediante, vendrán otros más; con nuevos problemas, nuevos compañeros de trabajo y nuevos desafíos. Pero los de aquí, los del Terminal Terrestre, se quedarán conmigo, y me acompañarán en los proyectos que vengan en el futuro.

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sábado, diciembre 08, 2007

Ha Llegado la Hora: ¡¡PREMIOS "CALÍGULA" A LA PEOR ARQUITECTURA 2007!!

 

El día de hoy,  por decisión mayoritaria, el CTMLMG ("Consejo Tiránico de Mala Leche contra el Mal Gusto", es decir, ¡YO!) declaró de decidió -de manera unánime- otorgarle el premio "CALÍGULA" a la peor arquitectura nacional al complejo:

 

CIUDAD ALFARO

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y en especial mención al

NUEVO MAUSOLEO DEL GRAL. ELOY ALFARO,

Por haber contado con los siguientes requisitos:

  • Haber confundido los conceptos de "arquitectura vernácula" con "decoración floklórica".  [Una obra arquitectónica no puede inspirarse en un vasito manteño-huancavilca. Una asamblea es una asamblea, un mausoleo es un mausoleo, y ¡UN VASO ES UN VASO! O sea que, si la sede hubiese sido en Pintag o en Alausí, ¿el partido arquitectónico habría sido UN PONCHO?]
  • Alcanzar un nivel de saturación retórica equivalente a haber bebido 8 botellas de puntas, zhumir, o currincho en una prueba de alcoholemia. [Los dizque machetes, las 33 escaleritas; la vasija de barro, en honor a una canción que Alfaro jamás escuchó en su vida, etc.)
  • Haber logrado ahuyentar de manera absoluta la participación de los elementos fundamentales de la arquitectura, como la luz, el espacio y el manejo de las volumetrías geométricas.

 

Definitivamente,  creo que algo tan especial como lo es una Asamblea -más allá de la tendencia política de sus ciudad alfaro participantes- se merece un espacio mucho más solemne que un pilche galpón, con cuatro vasotes manteño-huancavilcas.

Sin embargo,  lo que más me duele -como Liberal que soy- es que los restos del General Eloy Alfaro reposen en esa caricatura hecha a base de retóricas mal digeridas.

¡Ojo! Que este veredicto no tiene implicación política alguna.  Sólo se trata de premiar a un barbárico atentado de mal gusto,  lo cual resulta sorprendente, pues los "compañeritos" de izquierda suelen tener muy buenos arquitectos en sus filas.

 

El Jurado de los premios "CALÍGULA"  se despide, hasta el próximo año,  cuando delatemos otra burrada arquitectónica.

miércoles, diciembre 05, 2007

Divagaciones Sobre el Arte Contemporáneo: 2.-) Arte vs. Arte Contemporáneo.

 

Para poder hablar de arte contemporáneo, debemos primero tener clara el significado del arte en general;  dicho de otra forma,  debe procurarse primero una definición de "arte" que contenga todas las obras de arte hechas por el hombre;  desde las pinturas rupestres en Altamira,  hasta MTV;  desde los Zigurats y las Mastabas hasta el GUggenheim de Bilbao.

En mi opinión,  el arte se define como una expresión humana, producida y reproductora de una carga emocional, no por su naturaleza material,  sino por su significado metafísico. 

Como expresión humana,  el arte calza perfectamente en el molde lingüistico de " Emisor ----> (mensaje)-----> Receptor".  El arte se diferencia del resto de expresiones humanas por no sólo expresar lo que dice. La sensibilidad del artista le permite establecer un medio de comunicación paralelo al mensaje objetivo,  a través del cual  se genera un vínculo emocional (y espiritual para algunos) entre el medio (la obra de arte en sí) y el receptor. 

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A través de la historia,  la evolución del arte nunca ha alterado este modelo lingüistico.  De tiempo en tiempo, el arte se ha renovado a través del tiempo, cuando los artístas y las élites culturales modificaban de común acuerdo el código que estructura el mensaje de la obra de arte.  Eso ha sido la causante de la aparición de los "estilos".  Y siempre ha sido así.  El arte se ha rejuvenecido siempre a causa de la aparición de los estilos;  y los estilos no son más que redefiniciones del lenguaje artístico,  entre los miembros de una comunidad.  Eso fue así ,  hasta el siglo XIX.

A mediados del siglo antepasado,  comienza una serie de cambios vertiginosos en la vida cotidiana de los ciudadanos occidentales.  Revolución Francesa,  revolución industrial,  efervescencia política;  todo ello condujo a un aceleramiento en la vida de las personas.  El arte,  como reflejo indirecto que es de la cultura que la produce,  no se quedó atrás.  Los cambios que antes se daban en medio siglo comenzaron a darse en la mitad de ese tiempo. Este incremento en la velocidad de los cambios logró que germinara en los artistas y en la élites culturales un nuevo espíritu del arte,  el cual no podía sentarse a esperar que artistas y críticos se pusieran de acuerdo en los parámetros que abarcarían las expresiones artísticas.  Finalmente,  el arte comenzó a fluir a través de los artistas,  sin tapujos ni recelos,  yendo cada vez más allá,  haciendo a un lado los convencionalismos académicos de las élites culturales.  El arte se convirtió en un campo de exploración para los artistas,  donde cada cual va haciendo su propio camino.  En un ámbito así,  los códigos establecidos para definir al arte como "bueno" o "malo" no tienen cabida,  pues el arte ya no radica en el mensaje o en la manipulación de un código preestablecido por una colectividad.  El arte radica ahora en la innovación del código,  en encontrar una forma de "inventar" un lenguaje nuevo, que a pesar de su novedad,  sea comprendido por la mayoría de las masas.  Esa es la esencia del arte contemporáneo,  y esa es su gran diferencia con cualquier obra de arte de fechas anteriores.

monumento original - Alfredo Palacio

Para explicar tales diferencias, tomemos el ejemplo de la escultura titulada "El Arrastre de Alfaro",  del escultor ecuatoriano Oscar Santillán.  Su obra se basa totalmente en una obra predecesora,  en el monumento a Alfaro que hiciera Alfredo Palacio(foto sobre estas líneas),  décadas atrás.  La obra de Santillán adopta como propios todos los elementos de la escultura de Palacio.  Para un crítico de arte del siglo XIX,  Santillán no tendría mérito alguno en su obra. Tranquilamente,  lo acusaría de plagio.  Pero,  para nosotros,  no se trata de una copia.  Al contar con la dramática alteración de reubicar la figura del General Alfaro dentro de la composición (foto bajo estas líneas),  el significado de la escultura como tal y el significado

maqueta EL ARRASTRE - Oscar Santillan

de los elementos dentro de la composición se vuelven totalmente diferentes.  En la obra de Palacio,  el General Alfaro comanda a la marea humana que lo acompaña, anhelante de alcanzar la igualdad de derechos y oportunidades que se lograron con la Revolución Liberal.  En la obra de Santillán,  el General Alfaro no comanda al pueblo.  Más bien, es arrastrado por una masa reaccionaria e irracional,  sin capitán ni cabeza. Dramática diferencia.  Dos esculturas, formas muy similares,  los mismos elementos de composición,  pero expresan mensajes distintos, de dos etapas diferentes de la historia ecuatoriana. 

viernes, noviembre 30, 2007

Manifiesto: La Arquitectura.

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  1. La Arquitectura es ante todo,  un arte;  es decir, es una expresión humana originada por la sensibilidad del arquitecto y provocadora de la emotividad humana de sus usuarios;  capaz de incitar a la contemplación.  A diferencia de otras artes,  la Arquitectura es un arte que se conjuga con otros elementos de importancia equivalente,  como los son la técnica constructiva, la funcionalidad o su caracterización cultural y social.  La arquitectura JAMÁS deberá hacer a un lado su naturaleza artística por satisfacer alguna es estas propiedades paralelas.
  2. No toda obra construida es arquitectura;  así como no toda de arte "plástico-espacial" puede ser considerada como arquitectura.  La verdadera arquitectura se encuentra en ese punto de equilibrio existente entre las construcciones netamente funcionales y las "esculturas habitables".
  3. La Arquitectura debe retomar su misión de ordenar el mundo y dejar de participar del caos de nuestra "compleja y contradictoria" sociedad.  La arquitectura puede reflejar en sí a la cultura que la origina,  sin omitir la premisa anterior.
  4. Las obras arquitectónicas -al igual que las demás obras de arte- pueden ser consideradas como un documento histórico que refleja la naturaleza parcial de la sociedad que la plasmó,  así como del artista que la creó.
  5. La buena arquitectura es atemporal.  Surge en una época específica,  pero -con el pasar del tiempo- crece,  hasta volverse patrimonio universal.

 

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martes, noviembre 27, 2007

La Arquitectura de José María Sáez.

 

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A continuación,  una muestra de la obra realizada por José María Sáez,  arquitecto español radicado en Quito desde años atrás.

 

La obra de Sáez se caracteriza por combinar de manera equilibrada la exploración del diseño con el respeto a la memoria construida de la ciudad.  Exhibo aquí dos ejemplos que expresan las habilidades mencionadas:  la casa Pentimento (Premio Nacional de la Bienal de Quito 2006), ubicada en la Morita y las propia casa del arquitecto,  una ingeniosa renovación de una casa en pleno centro histórico de Quito.

Para ver más de la obra de José María Sáez,  recomiendo que ingresen a su página web.

 

Casa Pentimento.

 

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Casa Sáez Moreira.

 

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domingo, noviembre 25, 2007

Restauran la Casa Kaufmann de Neutra

 

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EN el suplemento de The New York Times, que publica dominicalmente el diario "El Universo",  aparece un excelente artículo sobre la restauración de la casa Kaufmann,  obra insignia del arquitecto Richard Neutra,  el conceptualista de la "arquitectura saludable".

 

El mayor mérito de Neutra haber logrado una  cohesión equilibrada entre el modernimo maquinista y rígido de Le Corbusier con la sensibilidad orgánica de Frank Lloyd Wirght;  algo que intentaron hacer personajes como Craig Elwood o Phillip Johnson, sin tan buenos resultados.  La salud va más allá de la función. No sólo se preocupa del desenvolvimiento del usuario dentro del objeto arquitectónico.  El confort del mismo es lo que garantiza la durabilidad de la relación entre la arquitectura y sus usuarios.

 

Neutra fue el primero en expresar aquella inquietud.

 

Como arquitectura,  la Kaufmann es una obra interesante.  Logra una integración interesante con el desértico paisaje californiano.  A diferencia de Wright,  Neutra lo logra agrgando materiales ajenos al sitio, como el acero.  El vidrio es usado de manera corbusiana,  pero para integrar el paisaje con el interior, de modo fiel a los principios a la arquitectura orgánica.

 

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Una restauración bien hecha, sin duda;  y resulta un poco irónico que ya empecemos a hablar de restauración con obras contemporáneas. Al verla, me pregunto qué estamos haciendo por mantener acá las expresiones locales del modernismo;  aquellos edificios inspirados por el racionalismo italiano, por el Art Decco orginal.  Con suerte, no les demolerán sus fachadas originales para ponerle algún disfraz escandaloso.

Introducción a mis Divagaciones: La primera Clase

Para mi primera clase de arte contemporáneo decidí que debía impactar a los estudiantes con una obra de arte que les llegue y que le altere. Esa debía ser la primera consigna. Por ello opté por alejarme de lo que ahora podríamos llamar "los clásicos" del arte contemporáneo. Rechacé la idea de presentar el "Guernica" de Picasso, porque los estudiantes de hoy han vivido expuestos a esa imagen desde su infancia y por ende, son ajenos al peso de su valor estético y a la crudeza de su significado. Por lo mismo descarté la lata de sopa de Wharhol. Los estudiantes que confrontaría la considerarían casi como parte del cotidiano paisaje. Habría que explicarles y procesarles lo frío y desolador que debió resultar el ver aquella lata pintada durante su primera exhibición.

Creo que entonces descubrí la primera lección sobre el arte. Fue una lección exclusiva, sólo para el profesor: "El arte prevalece en el tiempo; pero su impacto en la sociedad se disuelve a través del mismo".

Consciente del riesgo de caer en la moda, decidí correr el riesgo, dejé a un lado todas obra del inicio del arte contemporáneo, y presenté esto:for-the-love-of-god damien hirst "For the love of God!", La calavera forrada con diamantes, obra de Damien Hirst, el caprichoso "niño malo" del arte contemporáneo.

Con esta calavera proyectada detrás de mí, la invitación a la provocación vino de la mano con una pregunta sencilla:

"¿Es esto Arte?"

La reacción de la escandalosa mayoría fue el silencio. Dos se atrevieron a decir que no, que no podía considerarse aquel objeto como una obra de arte. Sin embargo, el segundo silencio que se hizo en el aula se rompió, cuando uno de los estudiantes dijo: "Sin embargo, no puedo dejar de verla". Segunda lección, esta sí, para todos los presentes: "El arte atrapa".

Tras aquel comentario, vinieron otros comentarios, en su mayoría, de aceptación. Los chicos y chicas de la clase comenzaron dar su aceptación a la calavera de Hirst. Algunos, hasta la catalogaron de "fascinante". Tercera lección, para todos también: "No por que no te guste una obra, ésta carece de valor artístico".

La calavera endiamantada de Hirst es un ejemplo perfecto de lo que pasa con el arte en nuestra época. Por ello nos sirve para poder vislumbrar las diferencias entre nuestro arte contemporáneo y el arte que hizo y degustó la humanidad entera hasta el siglo XIX.

Definitivamente, la "escultura" de Hirst sería entendida como un abominable acto de profanación por las élites culturales del siglo XIX. Otra obra de Hirst, el Cordero Crucificado, es una obra que a nosotros, ciudadanos de este dolido siglo XXI, nos impacta, nos produce un rechazo. Sin embargo, dicha escultura podría parecer más una escena de matadero para los estetas del siglo antepasado; a lo mucho, un acto de brujería supersticiosa.

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Estos trabajos nos sirven para percatarnos de las diferencias existentes entre las concepciones actuales sobre el arte y las que impulsaron los trabajos de Rodin, van Gogh y sus predecesores.

Dejando a un lado los trabajos polémicos, los vinculados por el escándalo y la polémica, preguntémonos si los amantes del arte del los años mil ochocientos habrían encontrado algo de artístico en el "Clould Gate", la burbuja reflectiva que Anish Kapoor expuso en Chicago. Definitivamente, la habrían visto con asombro, pero no la habrían considerado arte. Sería más bien una intriga su construcción. Lo tratarían de descifrar desde el punto de vista artesanal o ingenieril.

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Definitivamente, en el siglo XIX se inició un proceso insólito dentro de la Historia Humana, y eso se ve reflejado a través de la evolución del arte. Se trata de una revolución en colectiva y a la vez interna, catárquica, por así decirlo. En ese tiempo, los humanos comenzamos a usar nuestro cerebro de manera diferente, sin percatarnos de ello.

No deja de ser interesante el ejercicio de mirar hacia atrás y entender lo que pasó, lo que pasa y lo que somos. Eso es lo que he buscado aclarar ante mí mismo y ante mis estudiantes, durante mis clases de Arte Contemporáneo, dictadas desde este año en la Facultad de Comunicación de la UEES. Ofrezco compartir mis divagaciones "sobre el agua tibia" con Ustedes, por medio de este blog. Ojalá las disfruten.

viernes, noviembre 23, 2007

Con Papás Así, ¡No se puede esperar Menos!

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Sobre estas líneas,  la foto de un departamento en Londres, que no le pide favores en espacio (370 metros cuadrados. Eso en Londres es como un albergue!) a nadie.  Su mobiliario parece sacado del MOMA de Nueva York. En definitiva,  creo que a ningún arquitecto le enojaría un departamento así.  Pues bueno,  se trata del departamento que Richard Rogers, actual Premio Pritzker 2007 realizó para su hijo.

 

Suerte para él, envidia para nosotros.

martes, noviembre 20, 2007

EL MANTRA DE UN ARQUITECTO

HUMANISTA
ARTISTA
Y
CONSTRUCTOR
ASÍ SE ES ARQUITECTO.
Si no construye, el arquitecto se vuelve un soñador estéril.
Si no busca el arte, el arquitecto se vuelve un maestro de obras sin espíritu.
Si no es humanista, el arquitecto se transforma en un apilador de piedras.

lunes, octubre 29, 2007

EL Concierto de Soda Stereo en Guayaquil: "Me verás Divagar" (sobre lo que ví, lo que fui y lo que soy)





Definitvamente, he guardado muchas cosas en el tintero durante estas semanas. Una de esas es escribir sobre el concierto de Soda Stereo. Me lo debo a mí y a amigos como Francisco Febres-Cordero; pendiente siempre de los "ladrillazos musicales" que de tiempo en tiempo suelo lanzar a través de este blog.

Debo decir que lo primero llamó la atención del concierto fue mi actual perspectiva. El concierto que soñé durante toda mi adolecencia me encontró jugando el rol completo de adulto, profesional establecido y padre de familia. La euforia que antes precedía a un concierto se vió reemplazada por una tranquila emotividad que se ocultaba detrás de la logística que ahora implica el ir a un concierto "trabajar, esperar la revisión en obra con el jefe, recoger a los amigos llegados de Quito, almorzar con mis padres, dejar al bebe con mis suegros, pedir el taxi para evitar el parqueo en el estadio", etc, etc...

Dicho de otra forma, el Dunn que fue a ver a Soda el pasado de octubre no habría sido reconocido por el Dunn que fue al concierto de Cerati en el 2000, en el Ágora de la Casa de la Cultura.



Recuerdo haber visto años atrás, el DVD de un concierto de "Journey", filmado a comienzos de este milenio. Lo que más llamaba la atención de aquel concierto era ver el tipo de público presente en aquel show. Se trataba de adultos que rondaban entre los 30 y 40 años, quienes habían dejado años atrás sus vestimentas ochenteras de Heavy Metal groupies, y asistían ahora a los conciertos de rock en saco blazer, acompañados por sus esposas con carteras colgándoles de los hombros. Del frenesí con el que deben haber cantado las canciones del grupo en su jueventud no quedaba nada. Cuando las cámaras enfocaban al público, daba la impresión que estaban cantando canciones infantiles, en lugar de sus himnos de rebeldía como " Don't Stop Believin' ".

Cuando ví ese video, en compañía de mi amigos Carlos y Cynthia, la risa ante tal patético y ridículo cuadro no se hizo esperar. Ahora, ante el concierto de Soda, sentía un escalofrío por la espalda. Ciertamente no fui al concierto con blazer (ni pensaría hacerlo), ni la Peque fue con una cartera colgándole del hombro; pero el sabor del evento era diferente. No porque el concierto fuera malo. El cambio estaba en la lengua del catador, y no el platillo servido para su degustación. El "I'd rather die before I get old" que nos enseñó "The Who" había perdido ya su vigencia. Y lo que Pete Towsend nunca nos dijo es que crecer, madurar y envejecer son síntomas de la muerte cocinada a fuego lento. Los adolecentes que fuimos se extinguieron. Se quedaron varados cual ballenas en las playas de conciertos pasados. En su lugar, quedamos una manada de adultos inmaduros, que evocamos con nostalgía la rebeldía que consumíamos, pero que jamás concretamos.



Es curioso -sin embargo- que como generación, aún mantenemos diferencias con nuestro padres. No creo que nuestros viejos llegaran al extremo de viajar de una ciudad a otra para ver un concierto de José-José, o de "El Puma" . A diferencia de nuestros predecesores, nosotros guardamos un amor inexplicable para las generaciones anteriores y posteriores por lo que sentimos como nuestro emblema de rebeldía: el rock. Eso es lo que nos mueve al punto de hacernos viajar cientos de kilómetros lejos de casa, con tal de presenciar un concierto. ¿Y por qué lo hacemos? Simplemente porque no todo dentro de nosotros envejece.



Aún así, más allá, del disfraz de madurez de mala gana solemos usar, muchos fuimos y disfrutamos de manera extraordinaria. Que los "Lemon Pie" no me tomen a mal si no entro en detalles sobre su presentación aqui. Yo llegué al estadio después de su percance con el sonido. Quienes ya estaban dentro del "Alberto Spencer" me contaron el lamentable suceso. Mejor suerte para la próxima. Ah! y un consejo: si el concierto es de rock en español, procuren tocar canciones en el mismo idioma.



Los rumores fueron ciertos. Se trajeron lo mejor que consiguieron en sonido y en iluminación. Las luces del estadio se apagaron y el grito de todos alentó al trío argentino a dar comienzo al espectáculo, a pesar de no contar con todos las pantallas encendidas. "Juegos de Seducción" Surgió con las luces con el grito de "¡GUAYAQUIL! ¡CARAJO!" en la voz de un Cerati emocionado.



El sonido estuvo de primera. La iluminación, perfecta. Se les perdona la falla inicial con las pantallas laterales. El repertorio, ¡fenomenal! En opinión de muchos, faltó que tocaran "Signos". Yo añadiría a "Canción Animal", "Entre Caníbales" y "Luna Roja" dentro de las faltantes. Sin embargo, tales ausencias se vieron compensadas con "Entre Remolinos" y "No Existes", además de una espectacular interpretación de "Sueles Dejarme Solo", donde las luces rojas se arremolinaban sobre los tres músicos, al tiempo que Ceratí expulsaba en el escenario a todos los demonios contenidos durante 10 años.


Buen manejo escénico de Cerati. Bossio dejó lo suyo en la tarima también. Pero en opinión de este humilde blogger, el que más ha mejorado su perfomance de los tres es Charly Alberti. Durante el concierto, Alberti fue un baterista incansable. Igual: bravo por los tres.

En definitva, un evento que esperé toda mi adolecencia, finalmente lo pude ver en mi ciudad, pero ya en edad adulta, en compañía de mi esposa y a Claus. A pesar del tiempo que duró la espera, valió la pena. Me habría gustado llevar a mi sobrino Juan Francisco. Ese feeling me vino sobretodo cuando pude ver un padre con su hijo tarareando "Hombre al Agua". Lamentablemente no se pudo. Será para la próxima. ¡Y quién sabe! De repente hasta el pequeño Ale nos acompaña al próximo concierto.



sábado, octubre 20, 2007

PREGUNTAS QUE ME HARÁ MI HIJO CUANDO APRENDA A HABLAR:

Hoy necesito relajarme un poco, así que he optado por liberar la imaginación con la consigna que indica el título de este post. ¡Disfruten!

  • ¡A ver, a ver, a ver! O sea que cuando tu comprabas música de joven, ¿ya te la daban grabada en un CD? ¿PARA QUÉ?

  • ¡NOOOOOO! ¿Me quieres decir que en tu época los Beatles era considerado música para adultos?

  • Oye, Papi: Tú que sabes de historia, ¿en qué año fue que Bob El Constructor se separó de "The Village People"?

  • Aclárame esto, que me estoy confundiendo: de lo que yo veía en la tele, ¿Bush no era el que cantaba "TE QUIEEERO YOO / Y TU A MIIII"?

  • ¿ ¡¡¡¡ ERA ILEGAL !!!!! ? ¿Tal como lo es hoy el cigarrillo?

  • Cuando tú eras niño, ¿sólo habían 20 provincias? Oye, y en qué fecha se fundó el Ecuador Occidental?

domingo, octubre 07, 2007

Feliz Cumpleaños, Corbú!






El Cuervo de la arquitectura moderna nació el 6 de octubre de 1887. A mas de 45 años de su muerte, la arquitectura actual no logra aún desprenderse de las enseñanzas y propuestas del maestro; ya sea para sustentarlas o para contra-atacarlas. Lo cierto es que después de COrbú y de Wright, no ha presentado aún otro arquitecto que se convierta en la vara de medida de nos nuevos arquitectos. Y las lumbreras actuales, aún se miden en relación a los mencionados maestros. ¿Otro reflejo más, de la incapacidad de Occidente de avanzar? Probablemente, sí.







En todo caso, saludos al maestro. Creo que su aporte fue mayor que los perjuicios que le imputan algunos.


Audaz de desarrollar una nueva arquitectura, basada en las bondades de los nuevos materiales constructivos. Conciente de las necesidades de reducir al mínimo los perjuicios a la naturaleza. Ingenuo quizás en su intento de "maquinizar" al ser humano; demasiado osado en su afán de romper con el pasado. Aún así, Presente en el momento de proyectar arquitectura.


Saludos, arquitecto. Feliz Cumpleaños.




martes, octubre 02, 2007

CELEBRACION ATRASADA DEL DÍA DEL ARQUITECTO






Dejemos a un lado la convulsionada política post-electoral, para celebrar -aunque sea con atraso- al arquitecto en su día. Para ello, les dejo un par de los deliciosos e inspiradores dibujos que hiciera Antonio Sant'Elia. Arquitecto inspirador de muchos, conceptualista de la grandeza optimista de un futuro que jamás llegó. Quizás una de las funciones del arquitecto sea la de aproximar lo bueno del futuro a nuestras vidas presentes. Es una pena que Sant'Elia no pudiera aproximar en obras lo que en sus trazos atrapó del mañana.





¡¡FELIZ DÍA, ARQUITECTOS DEL MUNDO!!




¡¡SIGAMOS PROYECTANDO!!




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