José de la Cuadra: Arquitecto.

 

A continuación, comparto esta joya maravillosa, escrita por el José de la Cuadra, sobre la belleza urbana y arquitectónica del viejo y casi desaparecido Guayaquil. 

Esta crónica del escritor Guayaquileño, titulada “La Canción de las Casas Antiguas del Puerto”, delata una sensibilidad estética que va más allá del universo de las palabras;  y se enraíza en el mundo cotidiano que le rodea como ciudadano y artista.  El escritor confiesa su encanto por la belleza de aquella ciudad de café, cacao y madera que inspiró muchas de sus obras; y que el pasar del tiempo las ha convertido para nosotros en leyendas de fantasmas.

Esta crónica se publicó en la revista “Semana Gráfica”, el 24 de junio de 1933. Se encuentra reproducida en el libro “Obras Completas José de la Cuadra”, publicado por la Biblioteca Municipal de Guayaquil en abril del 2003.

Espero que lo disfruten tanto como yo.

LA CANCIÓN DE LAS CASAS ANTIGUAS DEL PUERTO

OBRAS COMPLETAS

JOSE MARIA DE LA CUADRA.

HAY UN POEMA DE LAS CONSTRUCCIONES. Pero las construcciones, ellas mismas, poemas. Poemas facturados con materiales sólidos, -piedra, madera, cemento- en vez de con espumas de sueno como los otros. Así, los arquitectos resultan en el fondo tan poetas como los que alinean versos, con la diferencia de que son gentes de más serias costumbres y arreglado modo de vivir. Lo cual no empecé a que forjen obras maravillosas, cuyo arranque inspirante parece como que se encontrara en el laberinto de los delirios oníricos.

La elocución poética guarda correspondencia con el equilibrio arquitectónico, y muchas de las modestas reglas del obrar de alarifazgo son, si bien se las mira, cánones de armonía inanimada.

Definiendo la arquitectura religiosa, se ha dicho que ella es la plegaria.

Es verdad.

Pero, todavía anda más allá la verdad.

Intentare una definición

En general: La arquitectura es la poética de los sólidos.

Hallo justo el concepto metido en la metáfora.

Más, si estos no me extrañan, por lo menos me aparta del asunto.

Hay un poema de las construcciones, repito.

El de las viejas casas guayaquileñas, no ha sido escrito aun. Palpita no mas en cierto ambiente insigne que s e esta esfumando y que pronto terminara por recluirse en las crónicas tradicionales para regalo de las honradas polillas.

Yo he pretendido más de una vez esbozar el canto de las antiguas casas del puerto. Lamentablemente, no soy poeta, y la canción se me escapo como un poco de tierra entre los dedos angustiados.

En el prologo de Repisas amaño tientos liricos, bastante desastrados por supuesto, sobre el tema evocador.

En mi novela Los monos enloquecidos que lleva eternidades de imprimirse en España sin que la pobre aparezca por ninguna parte, un protagonista cuenta así, entre otras cosas, al describir el Guayaquil del pasado: “A Las Calles se asomaban las fachadas de la casas de umbrosos soportales, hospitalarios refugios contra el sol quemante, los aguaceros cerrados de Chongon y los cortante vientos de Chanduy… Eran casas con toldas de lona blanca como velas de balandra… Eran más cordiales, mas propicias, más hogareñas… Grandotas, cabía en ellas, integra una de esas largas familias patriarcales que entonces había… Eran Feas, quizás; pero tenían no se quede maternal… ¡Ah, y con sus techos de tejas coloradas eran frescas como una tinaja de piedra pómez!”.

En propiedad, estas casas vestidas de trapo pertenecieron a la carpintería colonial y dejaron de hacerse en el siglo anterior, por ahí a raíz de la peste negra virtualmente han desaparecido. Quedan alguna que otra, vergonzantes, refugiadas en callejones sórdidos por donde transcurre, a media noche, la sombra en pena de una época muerta. Estas casas viven ya más en el recuerdo de los ancianos, cuya memoria es un museo ambulante. Tienen, pues, una existencia imaginaria, o si se prefiere, histórica.

A esta generación de casas achaparradas sucedió otra, muchos de cuyos esbeltos ejemplares e mantienen en pie, viéndose como chatos y preteridos entre esos castilloides de cemento armado o de hormigón que son las moradas de hoy y que, para mí desentonan en el escenario paisano.

Aclaro: no peco de amor por lo ido, por ilustre que fuere… Que no rimen con el panorama los edificios modernos, no significa que desconvengan… Acomodo tan solo un punto de vista estético.

En mi opinión, para que la vivienda sea bella en el conjunto natural, ni ha de ser más alta que el árbol más alto, y nuestro árbol mas alto es la palmera…

La casa es como la mujer del árbol vecino y, en la mensura shakesperiana, ha de quedar un poco cabe su protección, bajo la copa. La fronda sobre el techo es un amparo más: un doble cobertizo contra el cielo inclemente.

En nuestro paisaje de mansa llanura y rio amplio, acuerda mas la casa ancha y de corta alzada. Como que la casa demasiado erguida, estrecha y ágil, semejante a una torre, se hubiera hecho para los sitios de montana, en donde levante dominio, y enseñoree, y se quiera poner en pleitos de encumbramiento con las cúspides.

Estas buenas casas nuestras fin de siglo XIX y albor del siglo XX, llevan también trazas de desaparecer en breve.

Tan pocas restan en la plenitud de su construcción inicial que uno ha de referirse a ellos por unidades. Son unas cuantas mansiones burguesas en el malecón, mirando al agua.

Y aun no tienen su canción

No obstante, se la merecen.

Lo positivo es que si en esta oportunidad no se las canta, se irían así al ayer. Los poetas de mañana no repararan en su suave poesía intrínseca sino que las consideran en cuanto símbolos de una era de rijosa explotación, y las odiaran lo propio que ahora odiamos el aparato de los tormentos abolidos.

Vendréis, pues en ruinas, os caeréis a pedazos podridos; os tornareis de escombros, y dejareis vacio el solar que fuera el vuestro, ¡oh, casas antañonas!; y todo eso se consumara en un desesperado silencio, sin música de versos y sin las bonitas figuras literarias de que tanto placían las muchachas que os habitaron…

Mejor desde ya habrá que tratar de vosotros en conjugación de pretérito.

Si; es más sincero, ¡oh, clásicas casas del puerto! para quienes no ha habido gracia de cantar…

Sin embargo, vosotras erais hermosas como matronas bien conservadas… En vuestras fachadas de claros colores, con grandes chazas de persianas o barajas menudas, reflejaba el sol jugando su juego de iris y la Luna, jugando sus juegos de plata… En vuestros soportales, preservabais siempre una umbría madura para los enfebrecidos trajinantes… EN vuestros zaguanes solemnes, por los que habría cabido entrar una procesión de Domingo de Ramos, había siempre un rincón para el beso escondido… En Vuestros cuadrados patios de arena secabais la Pepa de oro, y con frecuencia, también, de tisis, el pecho de los cacahoeros… EN vuestras enormes cocinas – cocinas de feudalidad eran, y por eso, parecidas a las de las viviendas medioevales-, mientras humeaban las viandas se armaban tertulias populares entre los servidores caseros y los peones que venían cada semana de la hacienda, trayendo los productos… En vuestros comedores, que se abrían sobre el claustro y que olían siempre a cacao fresco y a agua en recipiente de barro, se servían banquetes opulentos…

En vuestras piezas de estar; se movían pausadamente las hamacas, tamañas como canoas cargueras, en las cuales decurría, de nacimiento a muerte, con un perezoso ritmo de balance, la existencia de los patrones, con horros intervalos de verticalidad laboriosa…

En vuestras inmensos salones, alumbrados por gigantescas arañas que quemaban torrenteras de gas. Dabanse las fiestas; el piano de cola inundaba de ruidos la calle cuando tecleaban las alegres polcas y los inacabables valses en La Mayor… En vuestras galerías fronteras, cuyo modelo copiasteis de la cubierta de los barcos, sonaban las niñas, vuestras niñas, las niñas de la casa…

Eran atractivas vuestras damas jóvenes, con sus largos trajes, sus corpiños subidos, sus trenzas caedizas y sus ilusiones en la cabeza; asomadas a la ventana, contemplando el rio, sonaban sus sueños dorados que al amontonarse los anos se convertían -¡como siempre!- en una pedestre domesticidad; al compas de la hamaquita leían los libros que mandaba el primo que estudiaba en Europa y en el cual esperaban un presunto consorte, o entonaban, generalmente muy mal, pasillos alaridos por Julio Flores; y muchas recitaban, con llanteos de oratoria romántica, composiciones truculentas, donde había un hombre que se mataba por una mujer a la cual no le venían en gana natural el enamorarse de él… Algunas de esas doncellas maltrataban el francés… Verlaine estaba de moda.

Verlaine había revocado sus parnasianismo pisaba su etapa sentimental… A aquellas muchachas se les ocurría delicioso cuando exaltaba a su amada, que, como ellas mismas solían usarlo, puesto o impuesto, tenían un nombre carlovingio…

¡Lastima de esas vírgenes que ha rato dejaron de serlo, aun cuando sea por haberse matrimoniado con el sepulcro!

Para alguna de ellas, frente a cualquiera de vosotras, ¡Oh, casas antañonas!, sonaría una madrugada antigua la ultima serenata.

Es profundamente sensible que ese charrasqueo de bandurrias y guitarras haya sido también la postrera canción que tuvisteis, ¡oh, viejas casas del puerto!

“Maccaferri: El Primer Moderno”.

A continuación un tráiler de la exhibición que se inaugurará en el Museo Municipal de Guayaquil, este lunes 8 de abril,  sobre la vida y obra del arquitecto italiano Francesco Simeone Maccaferri.

Quedan todos cordialmente invitados.

Navidad

…Que en estas fiestas, alcancen el gozo y la paz que ofrecen los comerciales, pero sin comprarle nada a nadie. 

…Que la reflexión y la alegría del espíritu en ustedes se prenda,  con una llama más duradera que los foquitos de los árboles de navidad en las vitrinas. 

…Que la fraternidad surja en nosotros,  por encima de las rivalidades,  los rencores y el mal gusto.

…Que el recogimiento de los corazones humanos nos dé fuerzas a todos,  para dejar las discrepancias adefesiosas de la política, y nos permita seguir rompiendo los cristales del mal gusto, durante todo el año 2010, y durante muchísimos años más.

…Que el Modernismo visite nuestras costumbres, tradiciones y reflexiones.

Son los sinceros deseos de “LADRILLAZOS”.

PAZ PARA EL MUNDO!

Divagaciones: Leyes Inmutables del Arte

En este espacio de Divagaciones sobre el arte, ya se ha expuesto la naturaleza fundamental del arte;  sobre las diferencias esenciales entre el arte contemporáneo y el arte previo al siglo XIX.  Sin embargo,  no se ha dejado especificado cuales son los "síntomas" que presenta un objeto cuando éste muestra su valor artístico;  sin importar la época en la que haya sido creado. 

 

Para poder apreciar la calidad artística de un objeto,  recomiendo tener en cuenta las siguientes observaciones:

  

1.- El Arte no tiene ni Ética ni Moral.

Por mucho que una obra de arte nos afecte y transgreda nuestros principios,  el arte está libre de aquello que nos pretende someter a diario, como miembros de una sociedad: la moral.  Esto -sin embargo- no quiere decir que el artista, en el momento de plasmar su obra,  esté por encima de las leyes y las normas que rigen la sociedad en la que el artista se desempeña.  Está en el libre albedrío del artista el optar por seguir con su arte y enfrentar las consecuencias que la sociedad le imponga.  La historia muestra distintos casos de personajes confrontando aquel dilema.  Muchos de ellos son recordador ahora con admiración por su audacia;  y muchos más fueron olvidados en la noche de los tiempos,  catalogados como dementes o desorientados.

Un ejemplo de esta trasgresión lo podemos ver en el "Piss Christ" de Andrés Serrano.  Este fotógrafo americano, de ascendencia hondureña,  subió a la palestra de los medios cuando expuso la foto de un crucifijo matizado por un borroso filtro, hecho con un recipiente lleno de orina,  en donde fue colocado el crucifijo, previa la toma de la foto.

El escándalo no se hizo esperar.  Muchos de los representantes de las religiones más importantes de los Estados Unidos clamaron indignados por la obra de Serrano. Sorprendentemente,  quien contrapuso la balanza a favor del artista fue Wendy Becket,  una monja católica, especializada en crítica de arte.  Según Becket,  el "Piss Christ" es una manifestación de lo que la humanidad le ha hecho es su espiritualidad.

Ahora, ¿por qué no puede someterse a todas las obras del arte a una suerte de "código moral universal"? Para responder tal pregunta conviene que reformulemos la interrogante de manera más maliciosa y menos ingenua:  ¿por qué debería someterse el arte someterse a una suerte de "código moral universal"?  No olvidemos que -tal como se ha dicho con anterioridad-  el arte es un reflejo del espacio y tiempo que originó al artista, como creador y como miembro de una colectividad que se expresa a través de su obra.  Hasta ahora, no ha existido cultura alguna que estuviera libre de actos en contra de la moral.  EL arte que se contrapone los criterios éticos de una civilización lo hará por una de dos razones:  o para denunciar la pérdida de valores; o para cuestionar la rigidez con la que la colectividad pretende regular la vida de los seres humanos.

Dicho de manera más breve,  el arte es un reflejo de las virtudes y defectos de la sociedad.

Vale la pena recordar lo que Oscar Wilde dije al respecto:

"La Rebeldía es, ante los ojos de todo aquel que haya leído algo de historia, la virtud original de la humanidad".

 

2.- El Buen Arte trasciende a través del Tiempo.

Esta premisa es quizás la mejor manera de medir la trascendencia de una obra de arte.  Toda obra que haya sido realiza,  pero que vaya desapareciendo del consciente colectivo a medida que pasan los años,  no cuenta con el factor humano necesario para prevalecer en el bagaje cultural de la humanidad.  si contamos aún con muchas de las obras de arte previas al s.XIX dentro de nuestros museos, es porque dichos cuadros y esculturas tienen aún algo que decirnos;  algo vinculado con nuestra naturaleza humana inspirado por circunstancias del pasado y vigentes para nuestra condición presente.  El que ahora tengamos un énfasis diferente en el momento de generar una obra de arte, no significa que hayamos perdido la capacidad de nutrirnos espiritualmente de aquellas obras que no han sido hechas con nuestras prioridades.

Ocurre -sin embargo- algo tan interesante como curioso en el mundo del arte actual.  Siendo el código una innovación por parte del artista,  el significado de su obra no es legible según normas definidas por ninguna academia.  Por lo tanto,  el significado de la obra es el resultado de la corriente interpretativa que más adeptos gana con el paso del tiempo.  Esto produce algo muy particular:  las obras de arte empiezan a tener una suerte de "significado mítico";  es decir, su significado depende más de las masas "consumidoras de arte" y de lo que ella quieren ver en ella. Las intenciones significativas del artista se pueden quedar varadas a un lado del camino.

Un buen ejemplo de ello es el cuadro pintado por Andy warhol, la famosa lata de sopa Campbell's. Un objeto sacado de la cotidianeidad del autor y pintado por esas mismas razones, se vio convertido súbitamente en una expresión de protesta en contra del consumismo de que ha sido vícitma el arte y el propio`público consumidor,  transformado en consumista.  Nada más lejos de las intenciones de Warhol.

 

3.- A la Obra de Arte se la Debe Entender en su Espacio y su Tiempo.

 

Pongamos como ejemplo uno de los clásicos de la arquitectura del siglo XX: las torres de Lake Shore Drive, en Chicago, proyectadas por el maestro de la Bauhaus Mies van der Rohe. A los estudiantes de arquitectura de la actualidad les cuesta entender el valor arquitectónico de estas torres,  simplemente porque ellos han nacido en una época en la que los "curtain wall" son el pan nuestro de cada día.  La mayoría de las fachadas de vidrio que se ponen actualmente en nuestras ciudades son un facilismo;  la técnica que usan muchos arquitectos y propietarios de los inmuebles para no tener que pensar algo más para sus fachadas.  Por tal razón,  les es difícil comprender la afanosa búsqueda de la diafanidad de comienzos del siglo pasado;  cuando una pared totalmente transparente era simplemente una quimera.  Por ello procuro en mis clases de arquitectura hablar del edifico en cuestión y de la circunstancia que lo motivó y lo materializó tal como lo conocemos actualmente.

Oscar Niemeyer: Cien Años de Creatividad

Hace 96 años cuando el pequeño Oscar Niemeyer era encontrado por su madre en el porche de la casa, éste movía su dedo en aire, haciendo figuras difíciles de seguir con la mirada. Intrigada, su madre le preguntó al hijo sobre lo que hacía. El pequeño respondio sencillamente "disenhando". Así es como empieza la leyenda de este impresionante de la arquitectura, o al menos así lo narraba él en una entrevista. Es admirable la energía que aún impulsa a este centenario arquitecto, quien no ha permitido que su vejez le impida continuar trazando y proyectando con la misma pasión que le empujaba a garabatear el cielo cuando era niño.

En mi humilde opinión, la arquitectura sudamericana sólo ha dado dos "monstruos" geniales de la arquitectura: Luis Barragán y Oscar NIemeyer. Del primero se debe valorar sus capacidad de reflexión ante la arquitectura y por la arquitectura. Su obra se vincula con la realidad interna del usuario. Invita siempre a la introspección del pensamiento. Niemeyer -por su lado- es mucho más externo, monumental; confronta el entorno y lo somete seduciéndolo. Es un trabajo que le dio a Sudamérica una primera identidad física, algo que el continente había perdido desde la conquista española, y que no había podido alcanzar satisfactoriamente durante los inicios de su etapa republicana.

El Edificio COPAN, en Sao Paolo. Un cruce

entre una "Unité" corbusiana y una anaconda

brasileña.

Un hombre hecho de acuerdo a su época y circunstancia. Pendenciero como buen Carioca. Terminó la secundaria a los 21 años. Entró de inmediato a la universidad y se graduó de arquitecto en 1934. Para entonces, el modernismo corbusiano ya se esparcía desde Europa hacia el resto del mundo. Su natal Brasil no sería la excepción. El famoso arquitecto suizo llegó a la entonces capital brasileña, Río do Janeiro, para trabajar en el diseño de lo que sería la sede del Ministerio de Salud y Educación. De tal encuentro saldrían muchos encuentros más. Siendo tan distintos ellos -Le Corbusier, el maquinista abanderado de la línea recta; y Niemeyer, predicador de la línea curva como símbolo de la belleza de la naturaleza- lograron trabajos interesantes. La sede de las Naciones Unidas en Nueva York es quizás el mejor ejemplo de ello.

Definitivamente, Niemeyer y Le Corbusier se nutrieron mucho mutuamente. Niemeyer comprendió las intenciones del modernismo de Le Corbusier; así como sus herramientas y su potencial. Corbú se volvió más humano y menos maquinista al lidiar con Niemeyer. Dejó a un lado fu afán funcionalista y le dio más rienda suelta a su lado plástico de escultor. un ejemplo de esta fusión de criterios se puede apreciar en el edificio COPAN que desarrollara Niemeyer en Sao Paulo. Su concepción parte de las ideas que Corbú plasmara en sus "Unité d' Habitation". Sin embargo, el brasileño rompe con la noción recta de "banda industrial" que tienen las obras corbusianas, y plasma en la planta una disposición curva. Ello convierte al edificio en una enorme anaconda de hormigón. Y es que la línea curva fue siempre la herramienta fundamental para proyectar su arquitectura, tal como lo dijera él mismo durante una entrevista :

"Lo que me atrae es la curva, libre y sensual. La curva que encuentro en las montañas de mi país, en el curso sinuoso de sus ríos, en las nubes del cielo, en el cuerpo de la mujer amada. De curvas está hecho todo el Universo''.

Dicha cita ha estado publicada en este blog desde sus inicios, y seguirá como parte fija del mismo; en honor a la verdad y al equilibrio que representan entre humanidad y belleza.

Sin embargo, Oscar Niemeyer no habría podido ni soñar con tal encuentro de no haber sido por contar con el arquitecto Lucio Costa como mentor y "Liebermeister". Recién salido de la universidad, el joven Oscar entra en su estudio de forma gratuita, a fin de poder adquirir las herramientas suficientes y poder plasmar su visión de una nueva arquitectura para su país y el mundo. Es el vínculo con Lucio Costa, junto con el de su mecenas de Behlo Horizonte, Justelino Kubichek, el que le permite participar de el proyecto urbano más ambicioso que haya visto el mundo durante el pasado siglo: Brasilia. Una ciudad surgida de la nada absoluta, en medio del frondoso corazón del Brasil, nacida del cruce de dos figuras: la cruz, que representa la toma de posesión de un terreno; y un ave, símbolo de la paz y de buenos augurios para el futuro.

Brasilia resultó ser una obra titánica en su momento. Mientras los trazos urbanos eran dados por Costa, Niemeyer daba las pautas proyectuales para los edificios públicos. De ellos se puede resaltar la belleza plástica y la gracia de el Congreso del Brasil y la Catedral capitalina; en mi opinión, la iglesia más bella que se ha construido en el siglo XX

Interior de la Catedral de Brasilia.

Uno de los mejores espectáculos de

la arquitectura del siglo XX.

Por fuera, el mencionado templo es una simple estructura, hecha con elementos prefabricados dispuestos alrededor de un eje, emulando la figura de la corona de espinas que portara el Cristo en su vía Crucis. Por dentro, su belleza y simbología es mágica. Lo módulos prefabricados dejan de ser una corona de espinas enorme, para transformarse en un enorme "agujero en el cielo" del cual descienden los ángeles para llamar al juicio de justos y culpables. entre los prefabicados, una serie de vitrales resaltan la figura celestial y sirven de escenario para el apocalíptico paisaje. Resulta insólito encontrar tanta sensibilidad ante lo religioso, como en este extraordinario ateo, que cuenta con la una virtud digna de imitar por todo arquitecto: captar la sensibilidad que cada uno de sus proyectos requiere.

Sede del Parlamento brasileño

en Brasilia.

Niemeyer se transforma en un representante de Sudamérica en Europa, durante su desdichada época de exiliado político. Logró cosas asombrosas. Resalto de ellas el Campus Universitario de Argel, una enorme ave de hormigón, que extiende sus enormes alas sobre el suelo y cobija a los universitarios con su sombra. Otra obra niemeyerzca que merece ser resaltada el la sede que proyectara para el Partido Comunista en París. Niemeyer, miembro activo del Partido Comunista, tuvo la oportunidad de romper con un esquema cuadrado y caduco que hasta entonces sostenían sus colegas y coidearios, según el cual todo detalle que implique belleza debe ser considerado un lujo, y por ello, debe ser eliminado del proyecto. Este edificio tiene un rostro austero desde su exterior: una fachada de vidrio y una cúpula de hormigón brotando desde el césped frontal. Pero, en su interior, la luz juega un papel preciocista, y se convierte en el más bello de los ornamentos. Me sorprende que en las pasadas décadas no se haya usado el interior del auditorio para la filmación de una película futurista o algo semejante.

Auditorio del Partido Comunista

en París, Francia. Digno escenario

de alguna película futurista.

Ya para sus últimas obras, el Maestro se ha podido dar el lujo de explorar aún más en los trabajos que se le han encomendado. En su mayoría, estos trabajos consisten en museos o monumentos. En sus trazos, todos estos encargos se convierte automáticamente en hitos. No dejan de impactarme las fotos del Museo de Arte Contemporáneo de Niteroi. Una enorme copa puesta sobre un peñón, junto al mar. Las sinuosas rampas permiten contemplar la belleza del lugar, combinada con la escultural figura del museo; austero en detalles, preciso en su figura.

Museo de Arte Contemporáneo.

Niteroi, Brasil.

Su último proyecto fue presentado el año pasado. Es un encargo hecho por el polémico gobernante de Venezuela, Hugo Chávez. Un obelisco inclinado de 100 metros de longitud, de su base hasta su punta, como monumento a la memoria del Libertador Simón Bolívar. En este caso, si bien es un proyecto de trazo austero, en su simbología se siente que el Arquitecto ha sido más libre para sus significados e intenciones políticas, compartidas completamente por su cliente en este caso. El mencionado obelisco apunta hacia los Estados Unidos, como una lanza de un soldado, a la expectativa de cualquier ataque furtivo del "enemigo".

Proyecto Monumento a Bolívar.

Caracas, 2007.

En definitiva, este día debe ser de celebración en nuestro continente. Un genio admirable ha cumplido 100 años con nosotros, y eso no pasa muy a menudo. Que el continente celebre hoy y siempre la obra de Oscar Niemeyer; este viejito encorvado y calvo que siempre ha tenido pavor a la idea de treparse a un avión, y cuya mano no ha dejado aún de maravillar al planeta con sus ideas. Decir "Niemeyer" es decir "Brasil", tanto o más que decir "Pelé", "Samba" o "Maracaná". Este arquitecto logró integrarse a la cultura nacional y ser asimilado por su pueblo.

Foto del Monumento a Juscelino Kubitschek,

diseñado por el mismo O. NIemeyer. Esta foto

fue tomada luego que se confirmara a Brasil

como sede del Mundial de Fútbol del 2014.

A todos los estudiantes de arquitectura les recomiendo su biografía, "Curves of Time". Ahí podrán ver cómo la sencillez de este personaje no se ha visto afectada por la grandeza de sus obras. Niemeyer es un buen ejemplo de cómo la humildad sincera y la sensibilidad genuina pueden crear edificios y ciudades de singular belleza.

¡Feliz Cumpleaños, Maestro! A tu salud y a la del legado con el que nos deleitas.

Divagaciones Sobre el Arte Contemporáneo: 2.-) Arte vs. Arte Contemporáneo.

 

Para poder hablar de arte contemporáneo, debemos primero tener clara el significado del arte en general;  dicho de otra forma,  debe procurarse primero una definición de "arte" que contenga todas las obras de arte hechas por el hombre;  desde las pinturas rupestres en Altamira,  hasta MTV;  desde los Zigurats y las Mastabas hasta el GUggenheim de Bilbao.

En mi opinión,  el arte se define como una expresión humana, producida y reproductora de una carga emocional, no por su naturaleza material,  sino por su significado metafísico. 

Como expresión humana,  el arte calza perfectamente en el molde lingüistico de " Emisor ----> (mensaje)-----> Receptor".  El arte se diferencia del resto de expresiones humanas por no sólo expresar lo que dice. La sensibilidad del artista le permite establecer un medio de comunicación paralelo al mensaje objetivo,  a través del cual  se genera un vínculo emocional (y espiritual para algunos) entre el medio (la obra de arte en sí) y el receptor. 

A través de la historia,  la evolución del arte nunca ha alterado este modelo lingüistico.  De tiempo en tiempo, el arte se ha renovado a través del tiempo, cuando los artístas y las élites culturales modificaban de común acuerdo el código que estructura el mensaje de la obra de arte.  Eso ha sido la causante de la aparición de los "estilos".  Y siempre ha sido así.  El arte se ha rejuvenecido siempre a causa de la aparición de los estilos;  y los estilos no son más que redefiniciones del lenguaje artístico,  entre los miembros de una comunidad.  Eso fue así ,  hasta el siglo XIX.

A mediados del siglo antepasado,  comienza una serie de cambios vertiginosos en la vida cotidiana de los ciudadanos occidentales.  Revolución Francesa,  revolución industrial,  efervescencia política;  todo ello condujo a un aceleramiento en la vida de las personas.  El arte,  como reflejo indirecto que es de la cultura que la produce,  no se quedó atrás.  Los cambios que antes se daban en medio siglo comenzaron a darse en la mitad de ese tiempo. Este incremento en la velocidad de los cambios logró que germinara en los artistas y en la élites culturales un nuevo espíritu del arte,  el cual no podía sentarse a esperar que artistas y críticos se pusieran de acuerdo en los parámetros que abarcarían las expresiones artísticas.  Finalmente,  el arte comenzó a fluir a través de los artistas,  sin tapujos ni recelos,  yendo cada vez más allá,  haciendo a un lado los convencionalismos académicos de las élites culturales.  El arte se convirtió en un campo de exploración para los artistas,  donde cada cual va haciendo su propio camino.  En un ámbito así,  los códigos establecidos para definir al arte como "bueno" o "malo" no tienen cabida,  pues el arte ya no radica en el mensaje o en la manipulación de un código preestablecido por una colectividad.  El arte radica ahora en la innovación del código,  en encontrar una forma de "inventar" un lenguaje nuevo, que a pesar de su novedad,  sea comprendido por la mayoría de las masas.  Esa es la esencia del arte contemporáneo,  y esa es su gran diferencia con cualquier obra de arte de fechas anteriores.

Para explicar tales diferencias, tomemos el ejemplo de la escultura titulada "El Arrastre de Alfaro",  del escultor ecuatoriano Oscar Santillán.  Su obra se basa totalmente en una obra predecesora,  en el monumento a Alfaro que hiciera Alfredo Palacio(foto sobre estas líneas),  décadas atrás.  La obra de Santillán adopta como propios todos los elementos de la escultura de Palacio.  Para un crítico de arte del siglo XIX,  Santillán no tendría mérito alguno en su obra. Tranquilamente,  lo acusaría de plagio.  Pero,  para nosotros,  no se trata de una copia.  Al contar con la dramática alteración de reubicar la figura del General Alfaro dentro de la composición (foto bajo estas líneas),  el significado de la escultura como tal y el significado

de los elementos dentro de la composición se vuelven totalmente diferentes.  En la obra de Palacio,  el General Alfaro comanda a la marea humana que lo acompaña, anhelante de alcanzar la igualdad de derechos y oportunidades que se lograron con la Revolución Liberal.  En la obra de Santillán,  el General Alfaro no comanda al pueblo.  Más bien, es arrastrado por una masa reaccionaria e irracional,  sin capitán ni cabeza. Dramática diferencia.  Dos esculturas, formas muy similares,  los mismos elementos de composición,  pero expresan mensajes distintos, de dos etapas diferentes de la historia ecuatoriana.